Moscow City
L'amico SOULFUL JULES, abituale frequentatore, per motivi di lavoro, dell'ex Urss, ci introduce nel clima di alcune zone, tristemente famose in questi giorni.
Ci aiuta a capire e ad approfondire, al di fuori di divisioni ideologiche, polarizzazioni, supposizioni.
Le precedenti puntate di "Tales from ex Urss" sono qui:
https://tonyface.blogspot.com/search/label/Tales%20from%20Ex%20Urss
MOSCA E SAN PIETROBURGO A SETTEMBRE
PRIMA PARTE
“Ciao mamma.”
“Come va?”
“Tutto ok. Senti, per i bambini, la settimana prossima potete tenerli voi il pomeriggio? La Nico è a scuola e io vado a Mosca.”
Silenzio.
“Ma è proprio necessario?”
“È il mio lavoro.”
“Non puoi fare su Whatsapp?”
No, non si può fare su Whatsapp.
Per un anno e mezzo mi sono sbattuto a organizzare incontri e presentazioni su Zoom.
Connessione lenta, “non si sente niente”, “aspetta che accendo la telecamera”. Difficile mostrare la nuova cerniera per ante a ribalta, senza viti sul pannello. Come fai a spiegare la cinematica, il movimento brevettato del braccetto in acciaio che solleva la porta senza toccare il piano. Ti sudano le ascelle dalla tensione mentre cerchi di trasmettere il concetto di estetica e funzionalità, dai un’occhiata al riquadro in alto sullo schermo e il tipo si cura le unghie con un cacciavite, di quelli a taglio, sottili. Forse è uno scalpellino.
Meglio spendere duemila euro per vederli dal vivo, gli artigiani dell’ex Urss che si fanno la manicure con gli utensili.<
Manca ancora un po’ all’imbarco per Istanbul.
Mi siedo su una poltroncina davanti al gate e tiro fuori un libro dallo zaino.
Il Mago del Cremlino, di Giuliano da Empoli, un economista che scrive come un romanziere e racconta la storia di uno dei consiglieri di Putin, il capo della propaganda di Mosca per quasi vent’anni. L’infanzia privilegiata di un rampollo della nomenklatura sovietica, il crollo dell’Urss dal punto di vista della “generazione che ha assistito all’umiliazione dei padri”, le contraddizioni di un uomo di cultura che voleva lavorare nel teatro e si è trovato la Russia come palcoscenico, centocinquanta milioni di figuranti a disposizione.
Un tizio in carne si piazza vicino a me, fa una telefonata di lavoro, dà disposizioni, forse a un’assistente. Parla in modo deciso, pronuncia con enfasi parole come “strategico”, “essenziale”, “progetto su misura”, non si sforza neanche di abbassare la voce.
Termina la chiamata e attacca bottone con un conoscente che gli si è avvicinato.
Sono entrambi venditori, quello in piedi si lamenta della sua azienda, il tono sconsolato, al limite della depressione.
Quello accanto a me ha il modo arrembante da commerciale alfa che spara cifre appena apre bocca. “Tutto bene”, “siamo pieni di ordini”, “quest’anno più dieci per cento”.
L’altro, magro e coi capelli più grigi dei miei, non ci prova neanche, confessa di aver passato un’estate difficile.
“Son tornato dall’Irlanda e mi sono preso il covid. Poi se l’è beccato anche la mia ragazza e così siamo rimasti chiusi in un bilocale quaranta giorni.”
“Quaranta giorni?” interroga scettico il ciccio.
“Guarda che c’è gente che è rimasta positiva anche due mesi…”
“Sì, sì ma mi pare tanto lo stesso…”
“Puoi immaginarti che atmosfera durante la quarantena, col caldo che faceva.
Saltate anche le vacanze.” continua il suo racconto con voce lamentosa, il peggio deve ancora arrivare.
“Appena siamo tornati liberi la mia ragazza è andata da una psicologa.
Il giorno dopo ha preso tutte le sue cose ed è andata via di casa.”
“E tutto per una seduta?” domanda sempre meno convinto il mio vicino.
“In psicologia si chiama effetto-trigger.” spiega il grigio con tono saccente.
Il tecnicismo italo-inglese è la chiave di tutto, la fatalità che innesca la sfiga.
“Chissà cosa aveva in testa.” commenta rassegnato.
“Eh beh, certo. Se aveva già i suoi problemi, magari la seduta le ha smosso qualcosa. Vai a sapere. Ma adesso siete in contatto?”
“Non vuole più vedermi, ha cambiato numero.”
“Ma allora aveva sì qualcosa che non andava. Forse è meglio così.”
“Mah, vediamo.” conclude il grigio.
Secondo me non è rimasto molto da vedere.
v Tiro fuori il cellulare dalla tasca dei jeans senza spostare lo sguardo dalla pagina e prendo nota della conversazione, così imparano a chiacchierare a voce alta mentre cerco di leggere i libri di Giuliano da Empoli.
Il Mago del Cremlino.
Chissà se l’hanno tradotto anche in russo.
C’è meno gente del solito sul volo Istanbul – Mosca, qualche posto è rimasto libero.
Il cielo è cupo e le temperature si sono abbassate anche in Turchia, l’estate è agli sgoccioli.
Restano immutate le sporgenze di zigomi e labbra sui volti lucidi delle signore che maneggiano i dispositivi Apple con le dita inarcuate, le unghie troppo lunghe per digitare sullo schermo coi polpastrelli.
Qualche felpa Abercrombie col cappuccio, il logo enorme sul petto di uomini di mezza età, che è anche la mia mezza età.
I passeggeri sono silenziosi, sonnecchiano o guardano le foto delle vacanze mentre un americano sbadiglia rumorosamente, un muggito che si propaga per la fusoliera a intervalli regolari.
All’aeroporto di Vnukovo ricevo i bagagli e prenoto un taxi.
Machačkala
L’autista si chiama Renad, è originario di Machačkala, capitale del Dagestan, sul Mar Caspio.
Ci vuole un’ora di strada per arrivare in albergo, per farmela passare gli faccio le solite domande. Renad dice che da quando “tutto è incominciato” le auto sono diventate più care ma per il resto non c’è nessuna differenza.
Non usa mai la parola guerra.
“Peccato per la gente che muore ma è andata così.” commenta con distacco, la voce limpida, senza emozioni “Dicono che se non avessimo attaccato noi, ci avrebbero attaccato loro.”
“Anche l’Europa ha le sue colpe, siamo coinvolti in questa faccenda.
Adesso bisogna trovare un accordo.” Sono sei mesi che lo ripeto, ormai ho smesso di crederci ma suona bene.
“Putin dice che non dovevano mettere i missili al confine e su questo ha ragione.” annuisce mentre parla, il frontino del berretto nero oscilla su e giù.
Il discorso cade su quelli che hanno lasciato il paese, in parlamento minacciano di togliere la cittadinanza a chi non rientra.
“Ma qua parlano e non fanno niente. Lukašenko invece ha detto che se non tornano gliela toglie davvero, la cittadinanza. Lukašenko è un duro.”
Parla con ammirazione del presidente bielorusso, uno che governa con il pugno di ferro.
Renad ha gli occhi azzurri e i capelli castani, la barba rossiccia. Gli chiedo se è proprio originario del Daghestan.
Conferma, è di etnia lesga, una delle quaranta nazionalità che convivono nel suo paese. Parla il russo ma è di madrelingua lesga.
Sono stato una volta a Machačkala, sette o otto anni fa. Prima di arrivare, il cliente, Azamat, mi aveva rassicurato.
“Non ti preoccupare, qua è tranquillo.”
A ogni incrocio c’era polizia in tenuta antisommossa, casco e giubbetto antiproiettile nero, il fucile semiautomatico imbracciato all’altezza del petto, l’indice pronto sul grilletto.
Per il resto non si stava male, tutti gentili, mix di barbe, veli scuri e occhi azzurri, gente ospitale che non ti lasciava mai da solo, ogni volta al ristorante un pranzo di matrimonio. Azamat portava bene i suoi cinquantacinque anni.
“Mia mamma va per i novanta. Qua ci sono tanti vecchi perché sono quasi tutti musulmani.
Non bevono e non fumano.”
Il giorno dopo la mia partenza le teste di cuoio avevano fatto un blitz in centro, dietro il mio albergo, e avevano “liquidato” un gruppo di terroristi.
In taxi passiamo accanto a un palazzo con la facciata ricoperta da un maxischermo led che trasmette la pubblicità di un Suv cinese, un marchio mai sentito; qualche mese fa ci sarebbe stata una BMW o una Bentley.
Costeggiamo la city, l’area con la più alta concentrazione di grattacieli in vetro e acciaio di Mosca, quasi tutti uffici, le luci ancora accese all’interno di palazzoni di trenta o quaranta piani che brillano al tramonto.
Renad interrompe il flusso di pensieri.
“Lei ha un’aria da intellettuale.” dice intelligent, senza malizia “Porta gli occhiali, ha la sciarpa. Le piace vivere qua?”
“Non vivo qua, ci vengo per lavoro. Mi piace Mosca d’estate ma è pesante come città. Il traffico, lo smog, il freddo e il buio di inverno. Sto bene dove abito, in Italia.”
“In Italia?” ribatte sbalordito, come gli avessi detto che vengo dalle isole Tonga. “Anche da voi ci sono le code per strada?”
“Sì, nelle grandi città. Roma, Milano.”
“Voi avete il dollaro vero?”
“No, abbiamo l’euro.”
“Ah, l’euro. Parlate inglese?”
“In italiano.” sembra di chiacchierare con un bambino dell’asilo “Hai famiglia?” domando per cambiare discorso.
“Mia moglie lavorava come parrucchiera, guadagnava bene con le trecce. Poi si è messa a fare la maestra di asilo e così hanno preso anche nostro figlio, senza problemi. Non so da voi, ma qua è difficile entrare negli asili pubblici se non hai agganci.
Quelli privati costano troppo.
Con due stipendi non riusciamo a permettercelo. Mi moglie prende 25.000 rubli al mese.” Quasi quattrocento euro, al cambio attuale. “Adesso non è facile trovare lavoro, molti sono stati licenziati.”
“In che settori?”
Ci pensa un po’, alza gli occhi per concentrarsi.
“Beh, conosco gente che lavorava nella metropolitana, altri in aeroporto, poi camion, trasporti e anche internet.”
“Internet?”
“Tante aziende straniere se ne sono andate.”
“Conosci nessuno che combatte in Ucraina?”
“Un mio vicino, soldato di professione. È stato ferito a marzo, ha perso un occhio. Poi un mio amico bielorusso. Abbiamo litigato.”
“Ah sì?”
“Voleva che andassimo a combattere insieme, contro la Russia. Quando gli ho chiesto se era scemo mi ha riempito di parolacce, anche su mia madre. E questo non va bene.”
Scuote la testa mentre lasciamo sulla destra l’ippodromo con le colonne palladiane e le guglie gotiche. Ormai siamo arrivati in albergo, pago in contanti e lo saluto.
In tv mostrano i volti dei soldati che hanno compiuto gesti di eroismo.
Un gruppo di giovani volontari sistema una scuola di Lugansk, i vetri rotti, i telai delle porte scardinati dalle granate dell’artiglieria ucraina.
A Mariupol, due clown con la faccia dipinta di bianco e le scarpe enormi fanno uno spettacolo per i bambini di un asilo, seduti a terra in semicerchio, gli occhi azzurri sbarrati, i capelli raccolti in trecce o code, ordinate e simmetriche.
Disney, Amazon e Netflix non si aprono sul mio telefono.
Il giorno dopo lascio l’albergo di buon’ora per visitare un cliente fuori Mosca.
Nel parcheggio mi aspettano Rafael, l’autista, e Tatjana, una venditrice del nostro distributore.
È appena rientrata dalle ferie, la pelle scura in contrasto con il cielo grigio e la pioggerellina di metà settembre che cade sul piazzale dell’hotel. Qua è autunno e da noi ci sono trentatre gradi.
“Dove sei stata in vacanza?”
“In Crimea, due settimane. Faceva veramente caldo.” dice soddisfatta.
“E non hai avuto problemi?”
“Nessun problema. Si stava benissimo.” alza il tono sull’ultima parola come per rimarcare la stupidità della mia domanda.
Me la vedo Tatjana in bikini, sdraiata sul telo mare sopra la sabbia bianca di Yalta, la pelle unta di crema abbronzante, occhiali scuri e cuffiette, il sole alto e una colonna di fumo che si alza alle sue spalle, i razzi dell’artiglieria ucraina hanno fatto centro.
Nuvole scure e allungate coprono le punte dei grattacieli della City, scivolano veloci, spostate dal vento. Le facciate a specchio dei palazzi riflettono i bracci gialli delle gru, decine di cantieri aperti per lo sviluppo verticale di acciaio, vetro e cemento.
Alla radio parlano del deficit di automobili, invitano a comprarle a Vladivostok, dove arrivano container pieni di veicoli usati dal Giappone e dalla Corea.
Da Mosca sono nove ore di volo, quasi una settimana in treno, oltre novemila chilometri di distanza.
Festival della Gioventù 1957
Costeggiamo il parco Lužniki, dove stanno costruendo un complesso residenziale e commerciale.
Sulle grate che delimitano l’area dei lavori sono appesi dei banner commemorativi in pvc per l’anniversario del “Festival mondiale della gioventù e degli studenti”.
Nell’estate del 1957, nello stadio all’interno di questo parco, si tenne la cerimonia inaugurale di un evento simbolico della fase del disgelo avviata da Chruščhev, quattro anni dopo la morte di Stalin.
Nella capitale russa arrivarono oltre trentamila ragazzi da tutto il mondo, anche dall’Italia, e i giovani moscoviti poterono finalmente incontrare coetanei di altri paesi senza timore di denunce o delazioni.
Con gli stranieri comparvero i blue jeans, considerati per almeno altri trent’anni il simbolo della degenerazione capitalista. Ancora oggi, girando per uffici è raro vedere gente che indossa pantaloni di denim.
Nel corso della manifestazione fece ritorno nell’Urss il jazz, molto popolare fino agli anni venti e censurato poi da Stalin in quanto genere borghese.
Il successo dei vari concerti, tenuti principalmente da musicisti dell’est Europa, contribuì alla diffusione del jazz nella realtà sovietica con la nascita di club e festival dedicati.
Le conferenze e i dibattiti si tenevano di giorno nei teatri, nelle sedi delle organizzazioni giovanili e nelle università della capitale, sotto gli occhi vigili delle autorità e degli adulti; di sera il controllo si allentava e i ragazzi socializzavano nei parchi, al chiaro di luna.
Nove mesi dopo, nella capitale si registrò un boom di nascite con la comparsa della prima generazione di sovietici mulatti, soprannominati “I bambini del Festival”. Sono chiamati così anche quelli nati in circostanze simili dopo le olimpiadi di Mosca del 1980 ma negli ultimi venti anni non credo di averne mai incontrato uno.
Attraversiamo un ponte sul fiume Moscova, le rive ancora verdi di alberi e cespugli, tra una decina di giorni i colori predominanti saranno il giallo, l’arancio e il marrone.
Alla nostra destra si muove una scia di studenti che indossano sciarpe e giacconi col cappuccio, si affrettano verso l’ingresso del MGU, l’Università Statale di Mosca.
Lungo la strada, nuovi punti vendita di Vkusno i Točka nei ristoranti che una volta erano Mc Donald’s; il rosso è sparito dalle insegne, poco invitante la nuova combinazione di verde e giallo.
Le auto e i furgoni sono quasi tutti di brand stranieri e anche i camion russi hanno componenti occidentali:
pompe idrauliche, montacarichi, pistoni; tutta roba di importazione che adesso si trova a fatica per via delle sanzioni.
Alla radio annunciano la morte di Jean Luc Godard, gli speaker criticano l’establishment americano che gli ha conferito l’unico Oscar, alla carriera, soltanto nel 2011.
Il servizio seguente parla della guerra tra Armenia e Azerbaijan, si contano decine di morti tra i soldati e i civili.
“Come mai è ripresa la guerra?” chiedo a Rafael, l’autista azerbaijano di origine armena.
“Uhh è una storia lunga.” dice con voce lagnosa “Combattono per i territori del Nagorno-Karabakh, dove ci vivono gli armeni da mille anni. Dopo la rivoluzione, Lenin li ha ceduti all’Azerbaijan ma gli armeni vogliono tornare sotto Yerevan. Sono trent’anni che si sparano e andranno avanti ancora per molto. Un altro conflitto senza fine.”
v commenta Rafael con amarezza, i capelli bianchi spettinati, come si fosse appena alzato dal letto.
Anche lui ha fatto le ferie in Crimea, c’è andato con la sua Hyundai, più di mille ottocento chilometri a tratta.
“Io e mia moglie. Siamo stati bene. Unica cosa, ci siamo persi sul ponte di Kerč. Il navigatore non funzionava, ci vuole un sim ucraina.”
venerdì, febbraio 17, 2023
Mosca e San Pietroburgo. Settembre 2022
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Tales from Ex Urss
giovedì, febbraio 16, 2023
Pete Townshend - Gratis Amatis
Per il trentunesimo compleanno di Kit Lambert, l’11 maggio 1966, Pete Townshend e il suo amico giornalista Ray Tolliday registrano su un nastro un “regalo” musicale al manager, una specie di parodia di un’opera, intitolata “Gratis Amatis” (rimasta inedita).
Kit apprezzò ma trascinò subito Pete da una parte, illuminato dall’idea e lo pregò di lavorare in quella direzione: un’Opera Pop costruita con un insieme di brani, collegati l’uno all’altro che raccontassero una storia.
Il chitarrista incominciò a lavorare a un racconto, ambientato nel 1999 (33 anni dopo), in un’epoca in cui i genitori avessero la facoltà di scegliere il sesso dei nascituri.
Una coppia scelse di avere quattro femmine ma per un errore alla fine ne nacquero tre e un maschio, che però venne cresciuto come una femmina.
Intitolò la mini opera “Quads”.
https://tonyface.blogspot.com/2011/04/rock-tales-who-quads-first-rock-opera.html
“Fu il mio primo tentativo di scrivere un’opera rock ma non fu mai completata".
La storia alla fine fu concentrata in due minuti e trenta e diventò un singolo degli Who”, “I’m a boy” (pubblicato il 26 agosto 1966).
Pete Townshend si concentra sempre di più su questa idea e compone qualche altra canzone da inserire in un contesto “operistico”.
“In questo periodo ho scritto altre due canzoni che penso fossero destinate a far parte di un altro ciclo di canzoni su pazzi, disadatti o persone con menti malsane.
Erano “King Rabbit” e “Lazy fat People”.
“Happy Jack” è arrivato poco dopo, parte della stessa idea.
Cominciava a germogliare un’idea più grande:
potevo scrivere una vera opera?
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Rock Tales
mercoledì, febbraio 15, 2023
Maurizio Inchingoli - Musica di carta – 50 anni di riviste musica in Italia
Ci tengo a sottolineare il fatto che "Musica di carta - 50 anni di riviste musicali in Italia" non è e non vuole essere un'enciclopedia sulle riviste, il libro si basa chiaramente su un percorso personale attraverso il quale provo a fare un po' il punto storico di questo importante fenomeno culturale che purtroppo ha perso, secondo me, il fascino che aveva, poi è arrivato Internet e inevitabilmente la situazione è cambiata, nel bene e nel male.
L'autore precisa l'intento di questa lodevole iniziativa, che mette un po' di ordine nel caotico mondo delle riviste musicali cartacee, con il prezioso aiuto di alcuni dei protagonisti, da Federico Guglielmi a Francesco Adinolfi, Luca Frazzi, al "mitico" Piero Scaruffi, intervistati in esclusiva da Inchingoli.
Il tema che emerge è quanto possa ancora (r)esistere la divulgazione cartacea, ormai sopraffatta da internet.
I dati di vendita sono in costante calo e ormai ridotti al lumicino ma, nonostante ciò, le riviste continuano ad uscire, a nascere, a proporre e proporsi (a dispetto delle nefaste previsioni che le volevano scomparse da anni).
Una storia complessa, spesso convulsa e fautrice di "battaglie" epocali, disastri economici, aspri scontri verbali ma testimonianza di una vitalità che dagli anni Sessanta in poi ha reso le giornate di noi appassionati più gradevoli e interessanti.
Maurizio Inchingoli
50 anni di riviste musicali in Italia
Arcana Edizioni
336 pagine
Euro 22
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Libri
martedì, febbraio 14, 2023
Pete Townshend - Jools and Jim
https://www.youtube.com/watch?v=4POBe1L8BcI
A breve uscirà un nuovo singolo di Pete Townshend (composto dalla moglie Rachel Fuller).
Nel 1980 PETE TOWNSHEND pubblica uno dei suoi migliori album in assoluto (Who inclusi), lo spettacolare, duro e allo stesso tempo raffinato, "Empty glass" (maggiori dettagli qui:
https://tonyface.blogspot.com/2015/04/pete-townshend-empty-glass.html).
E' un periodo duro per Pete.
La morte di Keith Moon, i problemi negli Who, sempre più allo sbando e artisticamente in deciso calo, il matrimonio a rotoli, alcolismo e una deriva psicologica che lo porta anche a flirtare con l'eroina.
All'interno dell'album, a chiudere la facciata A c'è un brano breve, tiratissimo e durissimo come "Jools and Jim" in cui replica ai giornalisti Julie Burchill e Tony Parsons che nel libro The Boy Looked At Johnny spargevano veleno e giudizi impietosi a destra a manca, incluso KEITH MOON, da poco tragicamente scomparso della cui morte sostanzialmente non si dispiacevano, anzi...
"Tony ha parlato di Keith e ha detto: 'Fanculo Keith Moon, stiamo meglio senza di lui. Sfigato decadente che butta la Rolls-Royce nella piscina. Se questo è ciò di cui parla il rock and roll, chi ne ha bisogno?"
(Pete Townshend)
Inizialmente intitolato "Jools and Tone" il titolo fu cambiato in "Jools and Jim" con un sottointeso diretto al quasi omonimo film di Truffaut.
Pete li apostrofa come "tirapiedi, disumani (tutti sono umani tranne Jools and Jim), alcolizzati (i vostri cuori si stanno sciogliendo in una pozza di gin"
"Ero arrabbiato, non depresso per la morte di Keith. Ero arrabbiato con Julie Burchill e Tony Parsons per aver detto nel loro libro che era un bene che Keith Moon fosse morto.
Ma ne ho ricavato una bella canzone. Ovviamente mi sono reso conto con il senno di poi di avere io dei problemi, ma in quel momento mi sono davvero divertito per il casino che stavo creando. Ho scritto la canzone solo come reazione.
Ho telefonato a Tony il giorno dopo averlo scritto e gli ho spiegato. Stavo per mandargli una copia ma poi ho deciso che non l'avrei fatto fino a quando non fosse uscito, dopo aver deciso che era una buona canzone da inserire nell'album".
All'interno della canzone c'è un attimo di pausa rispetto alla frenesia che la caratterizza. Sia sonora che a livello lirico, in cui si rivolge ai due con fare comprensivo e conciliante:
"So per certo che se ci incontrassimo faccia a faccia, un po' di vino ci avvicinerebbe, io e te. Perché hai ragione, l'ipocrisia sarà la mia morte.'
Townshend riprese il tema del rapporto con il giornalismo musicale in "Psychoderelict" dove uno dei protagonisti meno simpatici è un editorialista di gossip rock e commerciante di scandali, Ruth Streeting, modellato sulla figura di Burchill.
Il finale criptico "Oklahoma Oklahoma ok" è stato spiegato con buona attendibilità in forum dedicato agli Who:
Pete contempla il rischio di trasformare gli Who in uno spettacolo in stile Broadway ("Oklahoma è un famoso musical degli anni 40 che ebbe n clamoroso successo a Broadway).
Con questa frase lanciata alla fine con rabbia e arroganza accetta questo destino. Alcuni anni prima, aveva detto che gli Who si sarebbero trasformati in un numero da circo, che sarebbe stato inevitabile.
E a giudicare dagli ultimi recenti anni della band ci aveva visto giusto.
Fonte: https://www.loudersound.com/features/the-story-behind-jools-and-jim-by-pete-townshend
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Songs
lunedì, febbraio 13, 2023
Lauren Krohn
1) Lauren Krohn
2) Suede (The Kings Theater)
3) The Kills (Brooklyn Steel)
4) The Yeah Yeah Yeahs (Forest Hills Stadium)
Prosegue la rubrica TALES FROM NEW YORK.
L'amico WHITE SEED è da tempo residente nella Big Apple e ci delizierà con una serie di brevi reportage su quanto accade in ambito sociale, musicale, "underground", da quelle parti, allegando sue foto.
Le precedenti puntate sono qui:
https://tonyface.blogspot.com/search/label/Tales%20from%20New%20York
Lauren Krohn è una fotografa newyorkese, la migliore nel panorama musicale della Grande Mela.
Lauren ha iniziato a fotografare band nel 1993 durante gli studi universitari a New York e nel Regno Unito.
Dopo aver conseguito un master presso la NYU e l'ICP nel 2002, ha lavorato con Getty Images e MPTV Images.
Dopo aver sviluppato una condizione nervosa chiamata CRPS a causa di un intervento chirurgico alla caviglia, ha appeso con riluttanza la sua macchina fotografica per quasi un decennio.
Ma dopo numerosi interventi chirurgici è tornata al suo primo amore per la musica e la fotografia e da allora è diventata una presenza fissa sulla scena.
Lauren è nata e vive a Brooklyn.
WS) Qual'è il tuo gruppo Newyorkese preferito?
LK) Ci sono tantissime band grandiose qui a NYC, difficile sceglierne una, tra le mie favorite ci sono Baby Shakes, Habibi, Mala Vista e The Mystery Lights.
www.laurenkrohn.com
@lauren_a_krohn
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Fotografi,
Tales from New York
sabato, febbraio 11, 2023
Northern Soul Presentazioni
Presentazioni del libro "NORTHERN SOUL" edito da Agenzia X.
Prossimi appuntamenti fino a marzo:
sabato 11 febbraio
Imperia "Tuttomusica" Piazza Unità Nazionale 1 ore 17
https://www.facebook.com/events/738050037587507
sabato 18 febbraio:
Milano "Reverend" via Zuretti 9 ore 19
venerdì 24 febbraio
Bologna "Hellnation Store" ore 18, via dell'Artigiano 17b presentazione di "Soul"
Bologna "Buccia via Fratelli Rosselli 10 presentazione di "Northern Soul"
sabato 4 marzo
Brescia ore 19
domenica 12 marzo
Torino "Jazz Club" via Valdo Fusi ore 18
sabato 18 marzo
Viareggio "Vegas" Viale Europa ore 21
venerdì 24 marzo
Lido Adriano (RA) "Cisim" viale Parini 48 ore 21
domenica 26 marzo
Castelnuvo di Borgonovo (PC) "Kelly's" ore 21
sabato 1 aprile
Parma "The Clebbino" Borgo Cocconi 3/B ore 21
Prossimi appuntamenti fino a marzo:
sabato 11 febbraio
Imperia "Tuttomusica" Piazza Unità Nazionale 1 ore 17
https://www.facebook.com/events/738050037587507
sabato 18 febbraio:
Milano "Reverend" via Zuretti 9 ore 19
venerdì 24 febbraio
Bologna "Hellnation Store" ore 18, via dell'Artigiano 17b presentazione di "Soul"
Bologna "Buccia via Fratelli Rosselli 10 presentazione di "Northern Soul"
sabato 4 marzo
Brescia ore 19
domenica 12 marzo
Torino "Jazz Club" via Valdo Fusi ore 18
sabato 18 marzo
Viareggio "Vegas" Viale Europa ore 21
venerdì 24 marzo
Lido Adriano (RA) "Cisim" viale Parini 48 ore 21
domenica 26 marzo
Castelnuvo di Borgonovo (PC) "Kelly's" ore 21
sabato 1 aprile
Parma "The Clebbino" Borgo Cocconi 3/B ore 21
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Northern Soul
venerdì, febbraio 10, 2023
Gianni Morandi - Jacopone
Nel 1973 in progressivo declino di popolarità e alla ricerca di nuove strade GIANNI MORANDI abbraccia la strada di uno spettacolo teatrale, ispirato alla vita di Jacopone da Todi francescano laico, uno dei più importanti poeti ed autori di laudi religiose italiane del Medioevo (vissuto nella seconda metà del 1.200).
Un'opera teatrale e pop rock, con un cast ampio, in cui spicca PAOLA PITAGORA e un approccio che ricalca il concept di "Jesus Christ Superstar", in cui l'aspetto religioso si mischia a pacifismo hippie, laicismo, critica sociale.
Lo spettacolo non fu un gran successo, pur infilando ben 183 repliche.
La musica mischia canzone pop cantautorale, temi tipicamente da musical, arrangiamenti orchestrali sontuosi e lirici (con Morandi che sfoggia una voce all'apice della sua potenza espressiva) e inserti prog rock, funk, talvolta con tocchi hard.
Sul palco suonarono i Libra, con Federico D'Andrea, Claudio Barbera (basso), Alessandro Centofanti (tastiere), Nicola Di Staso (chitarra) e David Walter (batteria).
Nell'album pubblicato nel 1973 la band è composta dai Festa Mobile (futuri Baricentro, ottima band jazz rock in stile Weather Report con due albumn all'attivo a metà dei 70) fratelli Giovanni e Francesco Boccuzzi (tastiere e basso), Renato Baldassarri, Alessio Alba (chitarre) e Maurizio Cobianchi (batteria).
Per ascoltare l'album: https://www.youtube.com/watch?v=2n71GFACo64&t=329s
Gianni Morandi proseguirà questa fase più sperimentalke con un bellissimo album del 1975, Il mondo di frutta candita, in collaborazione con Ivano Fossati e Oscar Prudente https://tonyface.blogspot.com/2014/05/gianni-morandi-il-mondo-di-frutta.html
Fonte: http://intervisteweb.blogspot.com/2013/08/gianni-morandi-jacopone.html
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Di cosa parliamo quando parliamo di musica
giovedì, febbraio 09, 2023
Gem Spa
Prosegue la rubrica TALES FROM NEW YORK.
L'amico WHITE SEED è da tempo residente nella Big Apple e ci delizierà con una serie di brevi reportage su quanto accade in ambito sociale, musicale, "underground", da quelle parti, allegando sue foto.
Le precedenti puntate sono qui:
https://tonyface.blogspot.com/search/label/Tales%20from%20New%20York
Spesso definita una bottega, negli anni '50 Gem Spa era un luogo di ritrovo per i beat, e negli anni '60 era un ritrovo hippie noto per la vendita di un'ampia selezione di giornali underground.
Allen Ginsberg lo definì un "centro nevralgico" della città.
Robert Mapplethorpe comprò a Patti Smith una crema all'uovo poco dopo il suo trasferimento a New York nel 1967.
Alla fine degli anni '60 era a metà strada tra altri due luoghi iconici, il Fillmore East e l'Electric Circus.
Davanti al Gem Spa (131 Second Avenue , Manhattan) venne' scattata la fotografia dei New York Dolls apparsa nel retro copertina del loro primo album del 1973.
Il 7 maggio 2020, il proprietario Parul Patel ha annunciato che il negozio non avrebbe riaperto a causa dell'impatto della pandemia di COVID-19 e dell'aumento degli affitti, nonostante gli sforzi della comunità e una campagna sui social media per mantenerlo aperto.
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Tales from New York
mercoledì, febbraio 08, 2023
Stefano Scrima - Smells like Kurt spirit. Nirvana e filosofia
Stefano Scrima ha l'interessantissima capacità di riuscire a unire rock e filosofia, in modo colto e approfondito ma mai pesante o pedante (vedi precedentemente qui: https://tonyface.blogspot.com/2021/04/stefano-scrima-larte-di-sfasciare-le.html).
Il rock è ormai da tempo musealizzato, anche nelle sue forme più estreme, è tempo di analisi e connessioni culturali peraltro pertinenti.
E' questo il caso.
La storia di Kurt Cobain e della band viene sviscerata a prescindere dal contenuto musicale, scandagliata nei suoi più reconditi e allo stesso tempo evidenti messaggi esistenziali, filosofici, intellettuali.
Il libro è davvero particolare e intrigante.
Consigliato, al di là della passione per i Nirvana.
"Sono disgustato dall'apatia mia e della mia generazione. Sono disgustato da quello che permettiamo che succeda, da come siamo senza spina dorsale, assopiti e colpevoli nel non opporci al razzismo, al sessismo e a tutti quegli "ismi" dei quali la controcultura si lamenta da anni, mentre se ne sta seduta e avalla questi atteggiamenti propagandoli ogni sera dai suoi televisori e dalle sue riviste".
(Kurt Cobain)
"Cobain, fedele alle sue origini, ha poi sfruttao la sua popolarità ottenuta per fare conoscere le band underground che amava dando loro visibilità, parlandone nelle interviste, sfoggiando le loro magliette o invintandole direttamente ad aprire i suoi concerti".
La rivolta dei Nirvana è passata alla storia come rivoluzione suo malgrado, tradendo la stessa rivolta e accelerando così la deriva capitalistica di un mercato divoratore...ai Nirvana è stato affibbiato un ruolo ben preciso nella pantomima storica , alla stregua di un Giuda (Nirvana) costretto a tradire Gesù ( l'underground) perché così ha voluto Dio (il mainstream) per far quadrare l'assurdità del suo potere (il capitalismo).
Il paradosso è che la rivoluzione dei Nirvana è nata fallita per poi realizzarsi sul serio (perlomeno nell'industria culturale) e tradire se stessa impossessandosi dei mezzi del potere, come ogni rivoluzione. Una volta realizzata, ha perso ogni ragione s'essere, perdendo anche lo spirito di rivolta con cui si era presentata sulla scena.
...non è possibile cambiare un sistema facendo il suo gioco e in questo caso non è possibile criticare il capitalismo (e tutto ciò che comporta) nutrendo l'ipercapitalistico sogno americano di diventare delle rockstar e diventare rockstar e giocare con i desideri delle persone.
Stefano Scrima
Smells like Kurt spirit. Nirvana e filosofia
Arcana
Pagine: 112
euro 12.50
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Libri
martedì, febbraio 07, 2023
Gli ospiti internazionali al Festival di Sanremo
Riprendo l'articolo che ho scritto domenica per "Libertà".
Il Festival di Sanremo è raramente e solo occasionalmente interprete dei gusti degli italiani, in realtà un’entità a sé stante con vita propria.
Ma che contribuisce a risanare le casse esangui delle case discografiche e a ridare luce a qualche nome di cui si sente parlare solo in occasione dell’evento oltre a lanciare ogni anno qualche nome.
Per citarne alcuni esempi recenti basti pensare a Maneskin e alle coppie Mahmood Blanco e Di Martino Colapesce, che a Sanremo hanno preso il lancio verso il successo.
L’imminente edizione non promette nulla di buono, soprattutto dando un’occhiata al parterre degli ospiti che annovera un’infinita sfilza di vecchie glorie presumibilmente inserite per soddisfare i gusti di quel pubblico che non si perderà nemmeno una puntata.
Una platea molto avanti con l’età e di discutibile gusto musicale se è in attesa, con tutto il rispetto, di Albano, Peppino Di Capri, Pooh, Gino Paoli, Massimo Ranieri, artisti che hanno dato tanto alla musica italiana ma che non sono certo l’esaltazione della freschezza.
Eppure il Festival ha avuto sul palco dell’Ariston fior di eccellenze del rock, geniali protagonisti della storia musicale, inarrivabili cantanti e artisti.
In qualità di concorrenti ricordiamo Stevie Wonder in gara a fianco di Gabriella Ferri nel 1969 e gli Yardbirds di Jeff Beck con Lucio Dalla e Bobby Solo ma anche Wilson Pickett, Paul Anka, Ben E.King (quello di “Stand by me”), Cher (nel 1967).
Famosa la partecipazione di Louis Armstrong nel 1968 con “Mi va di cantare” (in un improbabile e incomprensibile italiano letto da un foglietto sistemato a terra) e che venne interrotto dal giovane conduttore Pippo Baudo che non poteva contravvenire alle rigide regole del festival.
Lo spaesato Armstrong (all’oscuro di tutto) pensava di dover suonare un normalissimo concerto e non solo tre minuti di canzone e al momento della conclusione del suo brano provò a ripartire suscitando il panico nell’organizzazione.
Altrettanto curiose le partecipazioni di Lene Lovich, proveniente dal giro new wave inglese e del Banco del Mutuo Soccorso, tra i principali esponenti della scena prog italiana oltre a quella di Yossou N Dour.
Molti i nomi del giro “nuovo rock” che non hanno resistito alla platea mediatica che concede il festival, dagli Afterhours a Marlene Kuntz, Subsonica, Statuto, La Crus, Marta Sui Tubi, Perturbazione, Bloody Beetroots, Zen Circus.
Se la lista di concorrenti “anomali” è già nutrita ancora più sorprendente quella degli ospiti. Ad esempio quando nel 1988 due ex Beatles si ritrovarono a poca distanza nella riviera ligure.
George Harrison e Paul McCartney furono infatti protagonisti del festival con la non improbabile recondita ipotesi di un incontro ed esibizione congiunta.
I rapporti tra Paul e George erano andati deteriorandosi nel tempo ma negli ultimi anni sembravano essere migliorati. Ma non bastò a farli incontrare (perlomeno non ufficialmente).
Paul salì sul palco dell’Ariston con Linda mentre George suonò la sua “When we was fab” nel dopo festival al Palarock.
Sono anni in cui arrivano nomi storici, eccellenti, di levatura mondiale. Niente meno che Whitney Houston, talento sopraffino, voce divina, destinata a una vita triste pur se coronata da un successo incredibile ma che finirà malamente in un abisso di abusi, droghe e una morte prematura.
Ma anche i Kiss, nel 1981 (pur se in collegamento da New York), gli idolatrati, al massimo del loro successo, Duran Duran nel 1985, con “Wild boys”, i Depeche Mode (nel 1986), alieni, algidi, dandy e super cool, gli Smiths nel 1987 nello spazio destinato al “nuovo rock” e ai quali viene riservato un piccolo special con tre brani in playback e un’intervista conoscitiva, i Van Halen dalle chiome fluenti nel 1981 con la loro versione hard rock di “Pretty Woman” di Roy Orbison, addirittura i metallari inglesi Saxon che si esibirono in un brano di hard rock melodico davanti a un pubblico perlomeno perplesso, Tina Turner e Bono con The Edge nel 2000.
Nel 1984 addirittura i Queen si esibiscono in playback con “Radio Ga Ga”, dimostrando che cosa significa professionismo e sapere stare su un palco, esibendosi come se fossero davanti a decine di migliaia di persone.
Freddie Mercury canta in perfetto sincrono ma con la bocca ben lontana dal microfono, giusto per non ingannare nessuno con finte mosse.
Si infila l’asta del microfono tra le gambe con gesti non lasciano spazio all’immaginazione, il fumo invade il palco, piovono fiori che rilancia in platea.
Date al pubblico ciò che il pubblico vuole.
Anche David Bowie non si fece mancare l’opportunità di passare dalle parti di Mike Bongiorno che lo presentò per il suo “Little wonder” nel 1996. Il brano finirà sul successivo album “Earthling”, non esattamente uno dei suoi capolavori.
Il magnetismo di Bowie rimase comunque inalterato, Sanremo o meno.
Uno dei momenti rimasti epici del festival è l’esibizione di Peter Gabriel, nel 1983. L’ex leader dei Genesis, passato, con la carriera solista, a una forma artistica ben diversa, molto più personale e innovativa, propone uno dei suoi maggiori successi di classifica, “Shock the monkey” librandosi nelle due esibizioni (fu ospite per due sere consecutive) con una corda/liana sul pubblico, terminando il volo su un monitor del palco.
La seconda volta però, finito il volo, cammina sulle poltrone delle prima file, riprende la liana e si schianta di schiena contro il palco.
Piaccia o meno, la sceneggiata funziona e il singolo (non esattamente un brano commerciale) finirà ai primi posti delle classifiche italiane.
Nel 1994 arrivò Elton John che si esibì con la drag queen Ru Paul nel suo classico “Don’t go breaking my heart” in versione dance prodotta dal genio di Giorgio Moroder. Ru Paul sfornò tutto il repertorio scenografico del caso che probabilmente, trent’anni dopo, nell’odierna Italia bigotta e reazionaria subirebbe gli strali di qualche politico o mezza calzetta in cerca di un minuto di popolarità.
Sicuramente un momento cult della televisione nazionalpopolare nostrana.
Pare incredibile ma arrivarono anche, nel 1998, metà dei Led Zeppelin.
Niente meno che il cantante Robert Plant e il chitarrista Jimmy Page, come sempre in playback, a presentare un brano tratto dall’album che li aveva visti ritornare insieme. Pubblico ingessato e Raimondo Vianello che li liquida con un “grazie grazie thank you”.
Nel 1981 è la volta della nuova ondata ska. Niente Madness o Specials ma i Bad Manners, guidati dal corpulento cantante Buster Bloodvessel che alla fine della loro hit “Lorraine” si tolse la tuta bianca da meccanico, rimase in mutande che alla fine abbassò leggermente lasciando intravedere le terga.
Piccolo scandalo, titoli sui giornali e il brano che arriva alle soglie dei venti singoli più venduti in Italia.
Quella del 2001 non fu un’edizione fortunata per la conduttrice Raffaella Carrà che si trovò qualche gatta da pelare di troppo.
Prima con Eminem con cui ci si premurò di concordare che i brani proposti non contenessero parole volgari e offensive (che difficilmente sarebbero state intese dal pubblico sanremese, non troppo avvezzo allo slang newyorkese) e poi con la band inglese dei Placebo.
Probabilmente ignari del contesto e con il cantante Brian Molko “su di giri” che chiude la breve esibizione tentando di rompere, molto goffamente, la chitarra, senza peraltro riuscirci.
La band se ne va dal palco a suono di “scemo scemo” e “buffoni”. La Raffa nazionale si scuserà contrita per l’accaduto.
Nel 1996 arriva addirittura il Boss, Bruce Springsteen, con la sua canzone migliore di sempre, “The ghost of Tom Joad”. Pochi minuti di chitarra acustica e voce, stretta di mano a Pippo Baudo e se ne torna nei camerini. Due presenze anche per Madonna nel 1995 (quando improvvisa qualche ringraziamento in italiano con Pippo Baudo) e nel 1998 con la stupenda “Frozen” quando invece un imbarazzato Raimondo Vianello la liquida velocemente tra gli applausi del pubblico.
E infine i Blur, introdotti da Pippo Baudo come “i nuovi Bittels” che salgono sul palco senza il chitarrista Graham Coxon, sostituito da una sua sagoma di cartone e il bassista da una controfigura.
Due anni dopo tocca ai “rivali” Oasis, arroganti e indifferenti, presentati da Fabio Fazio.
L’elenco non è completo ma sufficiente per fare comprendere come probabilmente è solo una questione di scelte (e anche di budget a disposizione, senza dubbio) per nobilitare un pizzico in più un evento così importante dalle nostre parti, invece di farlo diventare una patetica vetrina revivalistica avulsa da ogni contatto con la realtà europea e mondiale.
Ma forse è solo lo specchio della decadente Italia di oggi.
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Di cosa parliamo quando parliamo di musica
lunedì, febbraio 06, 2023
Tom Verlaine
Riprendo l'articolo che ho scritto per "Alias" de "Il manifesto" sabto scorso, in ricordo di TOM VERLAINE.
E’ cosa rara trovare il “disco perfetto”, quello inattaccabile sotto ogni punto di vista, sia esso artistico che storico.
“Marquee moon” del gruppo new yorkese Television, pubblicato nel febbraio del 1977, ne ha tutte le caratteristiche.
Perfetto anello di congiunzione tra le istanze new wave/punk, figlie delle esperienze del mitico locale CBGB’s, culla di una nuova generazione che stava per rinnovare il rock (in cui Ramones, Patti Smith, Talking Heads, Blondie facevano da traino) e l’evoluzione della musica pop/rock che dagli anni Sessanta aveva assimilato nel suo percorso psichedelia, pub rock, power pop, jazz, garage punk e tanto altro.
Protagonista principale del disco e della band il chitarrista e cantante Tom Verlaine (Thomas Miller scelse il soprannome in omaggio al suo poeta preferito, Paul Verlaine), compositore di tutte le canzoni, venuto a mancare, inaspettatamente, dopo breve malattia, alcuni giorni fa all’età di 73 anni. I Television furono tra i gruppi più originali della scena new yorkese ma non solo.
Il loro primo disco si inseriva storicamente nel contesto cosiddetto punk new wave ma aveva caratteristiche completamente diverse dalle tipiche coordinate del genere.
Un sound nervoso, tanta tensione sonora, inquietudine, chitarre che intrecciano scale armoniche di sapore psichedelico, una vena jazz in sottofondo, riff ipnotici e acidi, ritmica pulsante, precisa, una voce acuta, stridula, gli incredibili dieci minuti della title track che sfidano le “regole” punk dei brani sotto i centottanta secondi, suoni crudi e minimali ma allo stesso eleganti e raffinati.
Otto brani e 45 minuti di musica senza una pecca, un capolavoro assoluto.
Che nasce da lontano.
Tom Verlaine si approccia alla musica studiando pianoforte, poi il sax, approdando solo successivamente alla chitarra.
Ascolta rock ma anche molto jazz (caratteristica che permea molto del suo stile), Miles Davis in particolare ed è attratto dalla poesia e dalla letteratura.
Forma i Neon Boys con Richard Hell (futuro membro degli Heartbreakers di Johnny Thunders e dei Voidoids e ritenuto spesso come il primo ispiratore dello stile punk, con la maglietta strappata, le spille da balia, i capelli corti dritti, da cui prese ispirazione Malcolm McLaren per guidare esteticamente i Sex Pistols) e il batterista Billy Ficca.
Incideranno, nel 1973, alcuni brani dal gusto proto punk, pubblicati solo nel 1980 in un ep.
La band si scioglie e riforma qualche mese dopo con l’arrivo del chitarrista Richard Lloyd e successivamente del bassista Fred Smith a sostituire Richard Hell.
Il nuovo nome è Television.
“Molti giornalisti hanno sempre fatto riferimento al nostro nome associandolo a concetti che si rifacessero alla “televisione” e tutta questa spazzatura. Ma non è così: l’intera idea dei Television è sugli aspetti visionari dell'arte, piuttosto che sugli aspetti dei media. In realtà non è come la TV, come qualcosa di "supermoderno", qualcosa di "media" o "elettronico" o quel tipo di cose stravaganti alla William Burroughs. È più simile al vecchio aspetto di “visione”. Television/Tell a vision - racconta una visione. Solo tre parole. Non siamo una band da espedienti mediatici. Non abbiamo davvero alcun espediente. Non abbiamo un aspetto colto né siamo alla Kiss o qualcosa del genere. Non abbiamo uno "spettacolo", non facciamo uno show. Tutta questa faccenda del rock come un grande spettacolo è una cosa degli anni '70 ma non approvo per niente tutta quell'idea anche se potrebbe ripagare”.
La band entra nel circuito del CBGB’s accumula esperienza, affina la tecnica, non concede nulla all’estetica, rimasta sempre anonima. Non sono più giovanissimi, hanno passato i 25 anni quando nel 1975 incidono il singolo d’esordio “Little Johnny Jewel”, diviso in due parti, sorta di improvvisazione, scarna, minimale.
Precedentemente avevano attratto l’attenzione di Brian Eno con cui registrarono alcuni demo, mai ufficialmente pubblicati, di brani poi finiti su “Marquee Moon”.
La collaborazione finì malamente con Tom Verlaine che in un’intervista rinfacciò a Eno di aver “rubato” alcuni riff per l’album “Siren” dei Roxy Music (da cui Eno era però già uscito da anni).
Tom collabora con l’esordiente Patti Smith, con cui ha una breve relazione culminata poi in una fraterna ed eterna amicizia, comparendo come autore e chitarrista nel brano “Break it up” e nel singolo “Hey Joe” della cantante.
Con Patti ha successivamente collaborato suonando nella sua band dal vivo.
Finalmente l’album d’esordio dei Television vede la luce, trova la critica molto ben disposta ad elogiarne i meriti e l’originalità ma in America vende poco.
Meglio in Europa ma non diventerà mai una hit in termini commerciali.
Solo con il tempo troverà un posto sempre più solido tra i migliori dischi dell’epoca e probabilmente della storia del rock, consegnando la band all’Olimpo della musica.
Paradossalmente sarà un peso che Verlaine e le successive incarnazioni del gruppo si porteranno addosso per sempre. Il capolavoro insuperabile cancella le prestazioni successive, anche quando saranno di grande pregio.
Come il secondo album “Adventure” del 1978, che conserva le caratteristiche dell’esordio ma in chiave meno aggressiva e più sfumata. Le composizioni non hanno l’urgenza, l’irruenza e la visionarietà precedente e anche se il disco trova un’eccellente accoglienza in Inghilterra non farà particolare breccia nella critica (e avrà anche, in generale, vendite deludenti), rimanendo il fratello minore dell’esordio.
La band si scioglie e Tom Verlaine incomincia una lunga carriera solista, tra alti e bassi, sempre un po’ in ombra (“Mi piace pensarmi come a un invisibile. Lo trovo un modo di vivere molto vantaggioso. Sfortunatamente non è il modo in cui lavora il business”) nonostante l’attenzione che gli riservano personaggi di primo piano.
Basti pensare alla cover del brano “Kingdom come”, tratto dal primo album solista omonimo del 1979, eseguita da David Bowie nel suo “Scary monsters” dell’anno successivo.
Verlaine eseguì la parte di chitarra ma Bowie non la utilizzò, chiamando al suo posto Robert Fripp.
La decina di album che ha lasciato spaziano tra uno stile affine alla creatività dei Television, declinata in chiave più sospesa e sempre meno aggressiva, con concessioni a episodi strumentali e più sperimentali.
Sorprendentemente la band si riunisce nel 1992, realizzando un omonimo album purtroppo spesso dimenticato o trascurato, pur essendo di egregia fattura e facendo rivivere i fasti del passato più che dignitosamente, grazie anche al video della conturbante “Call Mr.Lee” che fa spesso breccia sulle frequenze di MTV.
I Television proseguono suonando in giro per il mondo, raccogliendo sempre attenzione e affetto, preparano un nuovo album che purtroppo non ha mai visto la luce.
Ci mancherà la figura allampanata di Tom Verlaine, magro ed emaciato, austero ma elegante, schivo e ostile.
Mancherà quel mondo di urgenza febbrile che ci ha lasciato “Marquee Moon”, un’epoca cristallizzata in un passato che non tornerà più ma che ci ha lasciato un tatuaggio indelebile nell’anima.
“Quando penso a Tom, ho quest'immagine di lui che fuma una sigaretta e guarda fuori attraverso il fumo con questo luccichio curioso negli occhi. Non è un personaggio pubblico espansivo e non ha mai indossato il costume della celebrità rock. Credo che sia rimasto abbastanza fedele a se stesso nel corso degli anni, seguendo solo il suo istinto".
(Lenny Kaye, Patti Smith Group).
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sabato, febbraio 04, 2023
Northern Soul - Presentazioni
Presentazioni del libro "NORTHERN SOUL" edito da Agenzia X.
Prossimi appuntamenti fino a marzo:
sabato 4 febbraio
Fucecchio (FI) "La Limonaia" Parco Corsini ore 21
https://www.facebook.com/HangOnNight
sabato 11 febbraio
Imperia "Tuttomusica" Piazza Unità Nazionale 1 ore 17
https://www.facebook.com/events/738050037587507
sabato 18 febbraio:
Milano "Reverend" via Zuretti 9 ore 19
venerdì 24 febbraio
Bologna "Hellnation Store" ore 18, via dell'Artigiano 17b presentazione di "Soul"
Bologna "Buccia via Fratelli Rosselli 10 presentazione di "Northern Soul"
venerdì 3 marzo
Faenza "Clandestino" via Baccarini 21 ore 21
domenica 12 marzo
Torino "Jazz Club" via Valdo Fusi ore 18
sabato 18 marzo
Viareggio "Vegas" Viale Europa ore 21
venerdì 24 marzo
Lido Adriano (RA) "Cisim" viale Parini 48 ore 21
domenica 26 marzo
Castelnuvo di Borgonovo (PC) "Kelly's" ore 21
sabato 1 aprile
Parma "The Clebbino" Borgo Cocconi 3/B ore 21
Prossimi appuntamenti fino a marzo:
sabato 4 febbraio
Fucecchio (FI) "La Limonaia" Parco Corsini ore 21
https://www.facebook.com/HangOnNight
sabato 11 febbraio
Imperia "Tuttomusica" Piazza Unità Nazionale 1 ore 17
https://www.facebook.com/events/738050037587507
sabato 18 febbraio:
Milano "Reverend" via Zuretti 9 ore 19
venerdì 24 febbraio
Bologna "Hellnation Store" ore 18, via dell'Artigiano 17b presentazione di "Soul"
Bologna "Buccia via Fratelli Rosselli 10 presentazione di "Northern Soul"
venerdì 3 marzo
Faenza "Clandestino" via Baccarini 21 ore 21
domenica 12 marzo
Torino "Jazz Club" via Valdo Fusi ore 18
sabato 18 marzo
Viareggio "Vegas" Viale Europa ore 21
venerdì 24 marzo
Lido Adriano (RA) "Cisim" viale Parini 48 ore 21
domenica 26 marzo
Castelnuvo di Borgonovo (PC) "Kelly's" ore 21
sabato 1 aprile
Parma "The Clebbino" Borgo Cocconi 3/B ore 21
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venerdì, febbraio 03, 2023
Vetreria di Borgonovo Piacentino - A way of life
La Vetreria di Borgonovo Piacentino è, dal 1950, tra le aziende più floride e d'avanguardia della zona e non solo.
Quest'anno ha deciso, per mano dell'agenzia pubblicitaria G&G, di allegare al catalogo uno speciale dedicato ai Sixties, ai mod, a "Quadrophenia", la cui stesura è stata dedicata al sottoscritto, con adeguata e pertinente grafica.
Scelta originale, coraggiosa e POP ART!
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giovedì, febbraio 02, 2023
Blues Magoos - Intervista a Peppy Magoo
I BLUES MAGOOS sono stati tra le band più rappresentative della scena 60's americana, protagonista di quel capolavoro d'esordio che fu "Psichedelic Lollipop" nel novembre 1966 con brani come "(We ain't got) nothin yet" e "Tobacco Road" che mischiavano garage, psichedelia, rhythm and blues in maniera eccelsa.
Il successivo "Electric Comic Book" esce cinque mesi dopo, nell'aprile 1967 e abbraccia maggiormente la psichedelia, pur mantenendosi vicino a un tiro garage, dando alla band ottime soddisfazioni commerciali.
Di qualità anche "Basic Blues Magoos" del 1968, sospeso tra suoni psych, freakbeat e grintosi rock blues.
Più vario ma allo stesso tempo meno personale "Never Goin' Back To Georgia" del 1969 caratterizzato dal classico sound d'epoca tra soul, rock blues, influenze Small Faces, honky tonk, atmosfere latin jazz.
Con il conclusivo "Gulf Coast Bound" del 1970 (realizzato con alcuni session men) la band si allontana da ogni retaggio passato, mischiando jazz, un po' di sperimentazione, latin sound, influenze alla Traffic.
L'amico WHITE SEED ci regala un'intervista con PEPPY MAGOO, chitarrista e cantante, unico membro rimasto sempre in formazione, fino ai giorni nostri.
Due chiacchere con Emil "Peppy Magoo" Thielhelm nato nel Bronx il 16 Giugno del 1949, chitarrista e cantante dei Blues Magoos storica band Newyorkese.
WS) I Trenchcoats sono stati la tua prima band?
Insieme a te c'erano Ralph Scala e Ron Gilbert. Che repertorio avevate?
PM) Sì. I Trenchcoats furono la mia prima band con Ronnie e Ralph e un batterista di nome John Finnegan e il chitarrista Dennis Lapore.
Stavamo imparando a suonare gli strumenti e suonavamo cover da Wully Bully di Sam the Sham and the Pharaohs ai Rolling Stones.
WS) Come e' stato il passaggio a Bloos Magoos? Chi a deciso il nome della band?
PM) Il cambio di nome è arrivato dal nostro manager (Marvin Lagunoff gia' manager con Simon and Garfunkel) con l'input della casa discografica.
Avevamo due nuovi membri Geoff Daking e Mike Esposito e' da li che le cose sono iniziate.
WS) La Verve pubblica il vostro primo singolo "So I'm Wrong and You Are Right" b/w "The People Had No Faces" nel 1966, quali sono stati i rapporti con la Verve?
PM) Molto minimale quel singolo. Questo è stato il nostro primo assaggio con un'etichetta discografica. Il contratto era solo per un singolo.
WS) Poi passate alla Mercury e il nome cambia in Blues Magoos, per un paio d'anni eravate una macchina sforna hit?
PM) Sì. L'accordo con Mercury è stato col passaggio a Blues Magoos, e li abbiamo passato un periodo di celebrità.
WS) Dove avete registrato il materiale su Psychedelic Lollipop e Electric Comic Book?
PM) Abbiamo registrato in uno studio che a quei tempi era molto famoso il Regent Sound sulla 57esima strada. A New York.
WS) La Lava Lamp (Psyche-De-Lite) fu un'idea vostra o della Mercury?
PM) Veramente fu' un'idea del nostro manager.
WS) Quali erano le tue band preterite nel periodo con i Blues Magoos?
PM) Tante perché quell'era stava esplodendo con gruppi molto diversi.
Tutte le band inglesi che erano famose: Beatles, Stones, Animals, Kinks e tanti artisti solisti Dylan, Richie Havens, Jimi Hendrix diventati amici nelle serate nel Greenwich Village.
WS) E' vera la storia riguardante un vostro amico e il brano "Albert Common Is Dead"?
PM) Haha sì. Molto divertente, Inoltre scrivevamo canzoni per divertimento. ACID. Lol. Come con quel brano "Love Seems Doomed" (LSD).
WS) Quale e' stato il motivo della rottura con la Mercury dopo il terzo album "Basic Blues Magoos"?
PM) Il nostro singolo successivo a "We Ain't Got Nothing Yet" si chiamava "Pipe Dream".
Questo è stato bandito dalla radio per paura riguardo riferimenti alla droga. Questo ha dato alla band una brutta reputazione.
Quindi è diventato sempre più difficile anche lavorare. Quindi la band ha incolpato il management e le cose sono andate a rotoli.
WS) Ricordi in particolare qualche gruppo che hai visto live nel Greenwich Village?
PM) Gli Zombies. Loro erano fantastici.
WS) In un'intervista alla radio WMUA del 1967 dichiaravate che il business musicale era il peggior business del mondo, deduco che nonostante il grosso successo ottenuto di soldi non ne avete visti molti?
PM) Il business musicale non è un grande affare a meno che tu non sia così grande da poterlo dominare.
WS) Cosa ricordi del tour del 1967 con gli Who e Herman's Hermits come headliner?
PM) È stato incredibile.
Abbiamo girato tutta l'estate (Keith Moon Stories ecc).
Troppo da spiegare qui. Tuttavia, sto scrivendo un libro in cui condividerò molti ricordi.
WS) Poi nel quarto album del 1969 "Never Goin' Back To Georgia" sei rimasto l'unico della formazione ufficiale, come e' andate la vicenda?
PM) Sì, è una lunga storia. Dopo il terzo album, la band è stata respinta dalla Mercury Records.
A mia insaputa, il resto della band stava cospirando per riformarsi e andare in California e continuare con i Blues Magoos senza di me. Questo è stato un colpo devastante.
Fondamentalmente mi hanno detto che non mi volevano più nella band.
Ero scioccato, fino ad oggi non sono davvero sicuro del perché, dato che avevano delle scuse molto deboli sul perché allora.
Quindi ho preso il colpo, avevo 19-20 anni e ho cercato di capire cosa avrei fatto dopo!
Avevo deciso che volevo essere il primo gruppo rock latino perché non ce n'erano e viste le mie origini (non ho mai conosciuto mio padre, ma sapevo che era nato a Bogota, in Colombia).
Il manager dei Blues Magoos possedeva il nome della band.
Ho messo insieme una nuova band e ho firmato con il nome della band per un'altra etichetta, la ABC Dunhill.
Poi mi hanno detto che pensavano fossi uno degli obiettivi principali con il nome Magoos, e volevano che la mia nuova band fosse i New Blues Magoos.
Avevo detto loro che era ridicolo e li avevo rifiutati.
Hanno continuato a offrirmi il contratto e dopo un po' mi sono reso conto che ci sarebbe voluto molto tempo per ottenere un nuovo contratto discografico con un nuovo nome.
Quindi ho accettato l'accordo rendendomi conto che almeno avrei potuto continuare a lavorare.
Avevo registrato il disco ed era tutto pronto per uscire. Quando gli altri membri hanno scoperto che io e i manager stavamo pubblicando un disco, l'hanno bloccato in tribunale.
Quindi l'uscita del disco è stata posticipata di nove mesi e in quel periodo è uscito il disco di Santana e loro sono arrivati prima.
Alla fine, abbiamo vinto in tribunale ed è stato pubblicato il quarto disco dei Blues Magoos. Molti anni dopo, ho ricevuto delle scuse dai membri della band.
WS) Hai ancora il vestito psichedelico fluorescente? Era disegnato da Diana Dew per Paraphernalia boutique?
Era a batterie?
PM) Sì, ho l'unica divisa elettrica dei Blues Magoos esistente.
Non è in gran forma, ma è un pezzo di storia del rock. Funzionava con pacchi batteria da 9 e 12 V. Erano molto in anticipo sui tempi e Diana Dew li ha progettati.
WS) Dopo il quinto album "Gulf Coast Bound" si chiude il contratto con ABC, partecipi al musical Hair e continui con altri progetti come i Barnaby Bye e i Balance.
PM) Sì, ho avuto un ruolo principale nella produzione originale di Broadway di “HAIR” e ho continuato ad andare avanti a suonare! Scrivere canzoni per alte persone e registrare.
Ho scritto dei musical tra cui l'ultimo WARHOL con l'iconico Sir Trevor Nunn in uscita nel 2023-24.
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Interviste
mercoledì, febbraio 01, 2023
Musica e mente
Riprendo l'articolo che ho scritto domenica per il quotidiano "Libertà".
La musica ha un potere enorme nella nostra vita.
Può essere una ragione della nostra esistenza, sia per passione che per lavoro o un semplice sottofondo che ci accompagna durante le faccende di casa o nei viaggi un automobile.
A volte invece un’intrusione fastidiosa che lede i timpani e il nostro gusto.
Non di rado mi capita quando sono immerso nella lettura e arriva mio figlio con un brano trap sparato dal telefonino a volume assurdo.
Mi immedesimo allora in quello che provava mia mamma quando la costringevo a sottofondi che arrivavano dalla mia camera a base di Sex Pistols, Clash, Who e sopporto stoicamente.
La musica, anche se non ce ne rendiamo direttamente conto, ha un ruolo molto importante nella nostra vita, in quanto fattore che interviene direttamente sulle nostre capacità neurologiche.
E’ stato scientificamente dimostrato che la musica è fra le ultime funzioni ricettive del nostro corpo a subire una totale compromissione in persone le cui capacità cognitive si stanno spegnendo (vedi i malati di Alzhaimer).
Le aree cerebrali associate alla memoria musicale subiscono un danno minore rispetto ad altre zone.
Anche persone gravemente compromesse cerebralmente riescono a godere e a trarre giovamento dalla musica, spesso riconoscendola, sia melodicamente, che ricordare le parole delle canzoni.
Si riattivano ricordi, emozioni, sensazioni che sembravano impossibili da riportare alla luce. Un aspetto singolare è che i pazienti conservano anche la capacità di riprodurre armonicamente, mantenendo la giusta intonazione, le canzoni che tornano alla memoria. Pur essendo rari si verificano saltuariamente casi di persone in coma che si risvegliano grazie alla loro canzone preferita o alla voce del cantante prediletto.
E’ altrettanto nota l’usanza di molti sportivi di caricarsi o rilassarsi prima delle gare con una musica adeguata al proprio stato d’animo.
Ad esempio il nuotatore Michael Phelps (ventitrè medaglie d’oro in quattro Olimpiadi) prima di ogni competizione era solito ascoltare musica aggressiva, potente, dal rock all’hip hop.
Cristiano Ronaldo si dedica invece ai ritmi più rilassanti della musica brasiliana, il suo “rivale” Lionel Messi invece è un grande fan del brit pop degli Oasis. Il famoso cestista Le Bron James si affida al rap di Drake, il pilota di Formula Uno, Daniel Ricciardo, invece a punk, metal e hard rock.
Il suo collega Lewis Hamilton va di hip hop. Quando vediamo calciatori o atleti passeggiare con enormi cuffie prima delle gare a volte siamo indotti a considerarli superficiali o addirittura sciocchi
. La realtà pare essere completamente diversa.
Il professor Karageorghis, docente di psicologia dello sport alla Brunel University di Londra, è uno dei maggiori studiosi mondiali degli effetti che la musica può avere sulle prestazioni sportive.
Attraverso i suoi studi ha dimostrato che l’utilizzo della musica, durante gli allenamenti o le gare, produce effetti simili a quelli delle sostanze chimiche legali. Negli ultimi anni, le Federazioni internazionali di discipline sportive di sforzo sulla lunga durata, come la maratona o il ciclismo, hanno vietato gli auricolari durante le competizioni, considerando gli effetti indotti dalla musica nelle orecchie simili a quelli di alcuni agenti dopanti.
Il nostro sistema nervoso è costituito da cellule, i neuroni, comunicanti fra loro attraverso dei neurotrasmettitori, che rimangono inattivi fino a quando non sopraggiunge un impulso emotivo che li mette sostanzialmente in moto.
Nel momento in cui ascoltiamo una musica nel nostro organismo si produce un effetto simile a quello dell’assunzione di una droga psicoattiva che causa il rilascio di dopamina nel cervello.
La dopamina è appunto uno di questi neurotrasmettitori. Compito della dopamina è di esercitare il controllo sul movimento, sulla capacità di attenzione e di apprendimento, su alcuni aspetti delle funzioni cognitive, sulla sensazione di piacere e sul meccanismo del sonno. In breve, questi neurotrasmettitori sono messaggeri chimici che rilasciano gli impulsi nervosi per indurre un certo meccanismo cerebrale.
La musica, con il suo ritmo regolare, influenza anche il battito cardiaco, il sistema cardiovascolare, la pressione sanguigna.
Da batterista di lunga data, seppur di modesta caratura tecnica, è interessante notare come la multi funzionalità degli arti richiesta dallo strumento (che si suona utilizzando contemporaneamente gambe e braccia che eseguono movimenti autonomi l’uno dall’altro, nello stesso momento), si rispecchi poi nella quotidianità. Ad esempio acquisendo, pur non essendo mancino, un uso della mano e del braccio sinistro quasi pari a quello della parte destra.
Molto genericamente si può arguire che la musica più dura e ritmata, dal rock al metal all’hip hop sia fonte di energia e di maggiore concentrazione verso l’obiettivo mentre la musica classica, acustica, ambient e new age siano l’ideale per rilassarsi, in quanto riduce i livelli del cortisolo, l’ormone dello stress.
Anche se il concetto di musica classica è abbastanza fuorviante se pensiamo che certi crescendo orchestrali o le sinfonie di Wagner possano indurre alla calma. Uno stato di serenità non significa necessariamente una riduzione di competitività agonistica ma è anzi una condizione che permette al nostro cervello di essere sfruttato al massimo e che induce all’ottimismo, premessa ideale per affrontare una sfida.
La musica, è ormai fatto accertato, anche empiricamente, agisce sull’umore e le prestazioni degli animali che, a seconda di quanto proposto, ne sono attratti o infastiditi.
Magari il vostro cane potrebbe avere un sussulto ascoltando “A day in the life” dei Beatles.
Pare che, su suggerimento di John Lennon, nel brano sia stato inserito il suono di un fischietto che solo i cani possono percepire. Lo ha confermato Paul McCartney in un’intervista:
“Stavamo parlando delle frequenze di suoni che gli esseri umani non possono sentire; in particolare, di quei suoni dalla frequenza così alta che solo i nostri cani li sentono. Così, ne abbiamo messo uno nella canzone”.
In molti allevamenti di bovini viene utilizzata la musica per incentivare l’aumento della produzione del latte che, pare, arrivi fino al 3% in più se viene trasmessa musica classica e country.
Anche nel caso delle bufale domestiche, una musica suadente le induce a smettere di ruminare, immobilizzarsi, puntando le orecchie alla fonte del suono, rilassandole e permettendo una mungitura più agevole.
Tornando a noi umani, assume una certa importanza la cultura musicale di ognuno. Più profonda e dettagliata è, maggiori sono le possibilità che l’ascolto di un certo tipo di brani ci stimoli, perché alla semplice melodia e ritmo si aggiunge il bagaglio culturale che portano con sé il brano e l’esecutore.
La parte sinistra del cervello si concentra sul linguaggio e quindi analizza “tecnicamente” la struttura del brano (se è veloce, lento, duro o rilassato) mentre quello destro attiva l’immaginazione, stimolando le emozioni.
I musicisti o coloro che vivono la musica in una dimensione lavorativa o caratterizzata da grande passione, riescono a scindere la modalità di ascolto: tra quella artistica e quindi emozionale con tutti i riferimenti e le influenze che caratterizzano la canzone e quella tecnica ovvero la struttura compositiva, l’arrangiamento, la riproduzione esecutiva.
Personalmente quando ascolto un brano dei Beatles, degli Who o dei Clash, la mia mente, la mia, anima, il mio cuore vanno a momenti precisi della mia vita, dell’adolescenza, rimandano a luoghi, persone, anni, giorni, viaggi. Quando invece ascolto dischi in funzione di una recensione o di un articolo, la fruizione elabora diversamente quello che arriva dalle casse dello stereo o del computer, cercando di analizzare la bontà della composizione, dell’esecuzione, dell’ispirazione artistica.
La musica è stata da sempre la mia ragione di vita e il mio lavoro, in mille vesti e collocazioni diverse.
Il modesto consiglio che mi sento di dare è di godersela senza pregiudizi, classificazioni, con rispetto per gli artisti che la propongono, dietro ai quali ci sono sempre anni di sacrifici, investimenti (economici ed emozionali), speranze, soprattutto passione.
La passione, quell’unica certezza che nessuno ci potrà mai portare via, ultimo salvifico baluardo in un mondo ingiusto e difficile.
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